Auteur : Girard, Chloé

Des partitions sont offertes à une douzaine de bibliothèques grâce à une initiative du Département de musique.

Actualités UQAM | 10 mai 2022

En décembre dernier, la chargée de cours du Département de musique Sonia Dudley Wheaton a organisé un concert de piano classique en ligne, mettant en vedette ses étudiantes et étudiants et visant à récolter des fonds afin d'acheter des partitions de compositrices et compositeurs noirs méconnus. «L'argent amassé a permis d'acheter une dizaine d'exemplaires des trois premiers volumes de Piano Music of Africa and the African Diaspora, édité par William Chapman Nyaho. Ces cahiers de partitions seront bientôt disponibles dans une douzaine de bibliothèques publiques de quartiers défavorisés montréalais», précise-t-elle.

Le concert offert par Vincent Bouley, Talia Plante, François Gravel, Laurie Coulombe, Simon Boisseau, Béatrice Beaudin-Caillé et Sonia Dudley Wheaton avait été capté pour une diffusion en ligne, en direct de la salle Jacques-Hétu de l'UQAM. On peut le visionner ici.

Rendre les partitions plus accessibles

C'est en cherchant à diversifier le répertoire qu'elle enseigne que Sonia Dudley Wheaton a eu l'idée de ce concert. «J'avais de la difficulté à trouver la partition d'une œuvre pour piano de Florence Price, raconte-t-elle. J'ai contacté son éditeur et il me l'a offerte en pdf, gratuitement! En lui demandant ce que je pouvais faire pour le remercier, il m'a suggéré de faire don de partitions de compositrices et de compositeurs noirs à des bibliothèques publiques afin que les jeunes pianistes puissent à leur tour en bénéficier.»

La majorité des étudiantes et étudiants de la classe de piano classique de Sonia Dudley Wheaton enseignent à des jeunes pianistes âgés entre 6 et 17 ans. «Les premiers volumes du recueil Piano Music of Africa and the African Diaspora sont parfaits pour les niveaux débutant et intermédiaire. Ce sont des cahiers que j'aurais aimé avoir lorsque j'enseignais moi-même à des jeunes», note-t-elle.

Le tome 1 permet aux débutants d'apprendre quelques bases des styles ragtime et swing, tandis que le tome 2 reflète les riches traditions musicales du sud des États-Unis, notamment avec ses pièces jazz et syncopées. Le tome 3 vise à couvrir encore plus de genres, comme le tango et la musique merengue haïtienne, ainsi que du matériel provenant de chansons folkloriques et de spirituals africains.

«Nous tenterons de répéter l'expérience l'an prochain afin de pouvoir acheter d'autres partitions», conclut Sonia Dudley Wheaton.

Pour en savoir plus sur ce magnifique projet :
https://www.partitionspourtous.com/merci

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Photographie: Les trois volumes de Piano Music of Africa and the African Diaspora qui ont été achetés à une dizaine d'exemplaires, puis distribués à des bibliothèques publiques montréalaises.

Dans le cours MUS5815 : Histoire du jazz, les étudiant·es sont invité·es à mettre-en-récit un nouveau petit morceau d’histoire en parcourant les archives du jazz québécois accessibles par l’entremise de la base de données La Vie Musicale au Québec, un projet co-dirigé par la professeure associée au Département de musique et chargée de cours Vanessa Blais-Tremblay, auquel participe aussi le professeur de musicologie et directeur du Département de musique Danick Trottier. 

Le travail de fin de session de Pascal Desroches, étudiant en enseignement de la musique, a particulièrement impressionné par sa mobilisation des plateformes numériques (ici, kumu.io) afin de faire ressortir les réseaux propres à la vie musicale passée.

Habilement intitulé Jam Session, Pascal Desroches a cartographié le Who’s Who of Jazz in Montreal de John Gilmore et ainsi pu démontrer l’importance cruciale de musiciennes Noirs tels que Myron Sutton et Millard G. Thomas dans la création d’une scène jazz montréalaise dans les années 1920, mais aussi des institutions telles que le Canadian Coloured Clef Club (héritage de la ségrégation syndicale au sein de l’ancienne Guilde des musiciens et musiciennes du Québec entre 1928-40) dans l’intégration de musicien·nes migrantes au sein des milieux professionnels. Ingénieux!

Découvrir la cartographie ici.

Radio-Canada | Ohdio

Aujourd'hui l'histoire | Émission du 29 avril 2022

Au tournant des années 1980, une nouvelle machinerie électronique est devenue accessible aux musiciens. L'anarchisme punk a bousculé le rock traditionnel et a ensuite fait place au new wave. Une nouvelle esthétique s'est développée. Le musicologue Danick Trottier raconte l'évolution du new wave.

« La notion même de new wave fait référence à la nouvelle vague du cinéma français », révèle Danick Trottier. Le new wave désigne « les nouvelles scènes qui se développent dans les années 1970 ». Tout se passe à New York, pour ensuite se répandre à Londres et ailleurs.

Le new wave se différencie du punk en mettant de l’avant une recherche sonore plus poussée et une tenue vestimentaire travaillée. Le punk authentique essaime de 1975 à 1977, selon Danick Trottier. Le post-punk apparaît en 1980 et le new wave vient ensuite.

Le son du new wave est également bien distinct de celui du punk même si « des musiciens qui ont été formés dans le punk vont évoluer vers ce genre de musique ». Selon Danick Trottier, le schisme se fait lorsque des groupes décident d’adopter un son plus mélodique pour attirer un plus large public. Le meilleur exemple est Blondie, qui mélange le disco et le reggae. Des artistes comme Devo, Talking Heads et même David Bowie, avec la chanson Ashes to Ashes, affichent leurs influences new wave.

Génération vidéoclip

L’arrivée du vidéoclip au début des années 1980 fait exploser le mouvement new wave, grâce aux chaînes musicales MTV, MuchMusic et MusiquePlus. Même le premier vidéoclip diffusé par la chaîne américaine MTV, Video Killed the Radio Star,des Buggles, en est un digne exemple. « L’industrie de la musique tourne à fond à travers l’idée de la danse dans les vidéoclips, de la danse dans les clubs, avec le synthétiseur qui est mis à l’avant-plan », affirme Danick Trottier.

Également au cours de cette émission, le musicologue raconte comment la notion de design, de mode et d’art associés au new wave marquera les années 1980 et pourquoi ce genre musical souffre de l’arrivée du glam métal et de la musique dance dès 1985.

Écoutez l'émission ici

PHOTO : Getty Images / Hulton Archive

Debbie Harry, du groupe Blondie, en 1980

Radio-Canada | Ohdio

Plus on est de fous, plus on lit! Publié le 21 avril 2022

Danick Trottier, Professeur, musicologue et directeur du Département de musique de l’UQAM nous parle de l'héritage de Sylvain Lelièvre dans l'émission "L'importance de rassembler les gens, avec Joël Dicker et Laurent Turcot".

Résumé

"Joël Dicker profite de sa tournée en sol canadien pour passer voir l'équipe de Plus on est de fous, plus on lit! et parler de ce qui définit un écrivain, de son premier succès commercial, La vérité sur l'affaire Harry Quebert, et de son dernier roman, L'affaire Alaska Sanders; Laurent Turcot souhaite décloisonner l'histoire et la rendre accessible. C'est un défi plutôt réussi pour l'historien dont la chaîne YouTube réunit plus de 377000 abonnés et cumule des millions de vues. Pour prolonger cette volonté de « transmettre les connaissances », l'animateur du balado Fan d'histoire publie l'essai L'Histoire nous le dira : tabarnouche, pâté chinois et autres traits culturels du Québec."

Écouter l'émission ici !

Dans le cours MUS5815 : Histoire du jazz, les étudiant·es sont invité·es à mettre-en-récit un nouveau petit morceau d’histoire en parcourant les archives du jazz québécois accessibles par l’entremise de la base de données La Vie Musicale au Québec, un projet co-dirigé par la professeure associée au Département de musique et chargée de cours Vanessa Blais-Tremblay, auquel participe aussi le professeur de musicologie et directeur du Département de musique Danick Trottier. 

Anne-Marie Légaré, étudiante en enseignement de la musique, a posé les questions suivantes :

• La vie musicale était-elle ségréguée à Montréal dans les années 1930?

• À quel point les artistes Noir·es et blanc·hes partageaient-ils les mêmes espaces?

• Si non, avaient-ils l’opportunité de collaborer ou de s’influencer autrement du point de vue stylistique?

Pour tenter d’y répondre, Anne-Marie Légaré s’est penchée sur les possibles points de convergence entre le rayonnement de la musique de Myron Sutton, icône de la scène de variétés Noire, et celle de Johnny Holmes, étoile montante des orchestres de danse blancs montréalais, à la fois à la radio, dans les enregistrements audio et dans les lieux de spectacles, en mobilisant la ligne du temps numérique comme outil de modélisation. Chapeau! 🙌

Découvrir la ligne du temps numérique ici.

Image provenant du site des archives de l'Université Concordia

Dans le cadre de la première édition du Mois de la reconnaissance, ce projet de la Faculté des arts et du Département de musique, mené en collaboration avec le Service du développement organisationnel, vise à offrir de la musique en guise de geste de gratitude à l’ensemble des personnes œuvrant à l’Université, tout en mettant en valeur le talent musical uqamien. Tout au long du mois d’avril, de la musique a résonner aux oreilles de la communauté à divers endroits sur le campus.

Découvrir les photos ici !

Journal Métro

Marie-Lise Rousseau | 6 avril 2022

Danick Trottier, directeur du Département de musique et professeur musicologie est interviewé dans cet article du Journal Métro.

Qui prend encore le temps d’écouter des albums au complet? Depuis l’avènement des plateformes en continu, l’écoute de listes de lecture et de singles a pris le dessus. Cette tendance encourage des artistes comme Safia Nolin, Geoffroy et Patrick Watson à ne plus s’imposer de contraintes de format.

Le mot «libérateur» revient à plusieurs reprises lorsque Safia Nolin parle de sa décision de délaisser le format traditionnel des albums de musique, qui durent en moyenne 45 minutes.

«C’est vraiment positif, ça a changé ma façon de créer de la musique», affirme l’artiste qui a lancé l’automne dernier le EP Seum.

L’autrice-compositrice-interprète estime rendre davantage justice à son art en livrant de courtes collections de chansons qu’en s’obligeant à se conformer à un modèle de création qui l’étouffe.

Elle ne cache pas sa déception face à la réception de son précédent long jeu, Dans le noir, paru en 2018. «J’avais tellement travaillé sur cet album, sur tous ses détails… Au final, c’est vrai qu’il était long et lourd.»

Sans délaisser complètement le long format, Geoffroy se sent lui aussi en paix avec la création d’albums plus courts. Son plus récent effort, Live Slow Die Wise, compte sept titres et dure 25 minutes.

«C’est un projet complet en soi, explique-t-il. Je ne voulais pas étirer la sauce juste pour arriver à un nombre de chansons standard, comme s’il fallait combler un vide imaginaire. Au final, on s’en fout que ce soit plus court.»

Étirer la sauce et passer dans le beurre

Grande mélomane, Safia Nolin remarque elle-même un changement dans ses habitudes d’écoute. «Je consomme énormément de musique, mais en ce moment dans la vie, j’ai de la difficulté à écouter des albums. J’en écoute sur vinyle, mais dans le jour, j’écoute des playlists et des chansons sur shuffle», admet-elle.

Un petit tour sur les plateformes comme Spotify permet de constater un fossé dans les statistiques d’écoute des chansons d’un même album.

«Les gens disent qu’ils écoutent des albums, mais ce n’est pas vrai! lance-t-elle en riant. Ils essaient, mais ils ne sont pas capables et je les comprends. C’est quasiment rendu une job d’écouter un album au complet!»

Ainsi, lorsque des artistes sortent un long format, certaines chansons sont inévitablement sacrifiées. Un constat partagé par Geoffroy. «Tout est orienté sur les chansons et non sur les albums», dit-il.

Safia Nolin cite en exemple Claire, un titre qui devait se trouver sur Dans le noir, mais qui est finalement sorti par la suite. «Le single a vraiment bien marché, mais je ne crois pas que cette chanson aurait eu la même vie si je l’avais sortie sur l’album», croit-elle.

C’est pourquoi Patrick Watson a lui aussi choisi de privilégier les formats courts. Dans le communiqué de presse annonçant la sortie de son EP A Mermaid in Lisbon l’an dernier, il annonçait ses intentions.

«À partir de maintenant, je vais explorer le concept des parutions de trois chansons. Il s’agit d’une structure historique, assez longue pour créer un monde, mais assez brève pour capter l’attention des gens en cette ère moderne», expliquait l’artiste qui a décliné notre demande d’entrevue pour ce reportage.

Son prochain projet, Better in the Shade, qui paraîtra le 22 avril, s’inscrit dans cette tendance: il comptera sept chansons totalisant 22 minutes.

Une industrie traditionnelle

Voir certaines de ses chansons être ignorées au détriment de quelques extraits est une grande déception pour les artistes qui consacrent énormément de temps et d’énergie à confectionner un album dans son ensemble.

Le hic est que l’industrie de la musique privilégie encore ce type de création. Par exemple, les albums longs sont reconnus et récompensés par l’ADISQ, les Juno ou le prix Polaris, mais pas les EP.

«Si j’étais un artiste, j’aurais le même réflexe que Safia Nolin et Patrick Watson, avance tout de même le musicologue et professeur au département de musique de l’UQAM Danick Trottier. Plutôt que d’investir du temps sur un album dont plusieurs chansons ne feront plus parler dans quatre mois, je lancerais un EP et garderais d’autres chansons pour une autre sortie.»

Même si l’album standard est plus prestigieux, le single permet davantage de rayonnement sur les plateformes et dans les radios. «Sur la page d’un artiste dans Spotify, on ne voit pas ses albums en premier, mais plutôt ses chansons les plus écoutées», remarque M. Trottier.

Selon Safia Nolin, il y a un décalage entre ce que l’industrie demande aux artistes et ce que le public veut. «Quand tu te mets à ne pas vouloir sortir d’album, tu dois redéfinir toute ta carrière», résume-t-elle. Un choix qu’elle ne regrette absolument pas.

L’éclatement des formats est pour le mieux, renchérit Danick Trottier, car il offre une plus grande liberté aux artistes. Un avis partagé par l’auteur-compositeur-interprète Les Louanges, qui estime que tout se vaut, lui qui a choisi un format long pour son album Crash. Au bout du compte, «c’est la musique qui décide», conclut-il.

Découvrir l'article original ici.

Stéphanie Tomala Hamelin est  diplômée du DESS en musique de film de L’UQAM et d’une maîtrise en composition instrumentale de l’Université de Montréal.

Article par Howard Druckman | 28 février 2022

La Fondation SOCAN, qui fait partie du Groupe SOCAN, est fière d’annoncer que le trio pop-rock Caveboy  et l’auteure-compositrice-interprète R&B Nuela Charles sont les deux lauréats de 5000 $ des Prix Elles de la musique 2022 commandités par Bandzoogle dont la présentation a eu lieu en ligne le 25 février dernier.

*Nouveauté cette année, les Prix Elles de la musique ont également remis cinq mentions honorables assorties d’une bourse de 1000 $ à Belle Grand Fille, Liza, Robyn Jacob, Stéphanie Hamelin Tomala et Terez. L’Association des auteurs-compositeurs canadiens (SAC) et la Société professionnelle des auteurs et des compositeurs du Québec (SPACQ) ont également offert aux gagnantes du grand prix une adhésion gratuite d’un an à leurs associations.

« On est vraiment reconnaissantes à la Fondation SOCAN et à Bandzoogle pour ce généreux prix! Depuis le début de notre carrière en tant que groupe, les deux organisations nous ont offert un soutien important », a déclaré Isabelle Banos de Caveboy, en son nom et au nom de ses collègues Lana Cooney et Mint Simon. « On est tellement contentes de pouvoir continuer à écrire et lancer de la nouvelle musique, et maintenant plus que jamais! Merci! On vous aime! »

« Je suis ravie d’être une des gagnantes de cette édition du Prix Elles de la musique », a déclaré Nuela Charles. « Un immense merci à la Fondation SOCAN et à Bandzoogle. J’ai très hâte à l’année qui s’en vient pendant laquelle je vais lancer plein de nouvelles musiques et ce prix signifie vraiment beaucoup pour moi en plus de me donner un excellent coup de pouce. Merci! »

« Le Prix Elles de la musique vise à célébrer et soutenir les artistes s’identifiant en tant que femme à donner un élan à leur carrière de créatrices de musique afin de la faire passer à un niveau supérieur », a déclaré Charlie Wall-Andrews, directrice générale de la Fondation SOCAN. « Cette importante initiative a contribué aux carrières d’artistes novatrices comme Haviah Mighty et Leela Gilday et nous sommes ravis de féliciter les incroyables Caveboy et Nuela Charles qui ont reçu le grand prix de cette année. Nous remercions Bandzoogle pour son soutien ainsi que tous les autres intervenants de la communauté qui ont rendu le Prix Elles de la musique possible. »

L’événement de remise de prix était animé par Shakura S’Aida, la présidente du comité des Prix Elles de la musique. Les lauréats ont été sélectionnés par un jury composé des auteures-compositrices-interprètes Jill Barber, Maude Audet et Danielle McTaggart (du duo Dear Rouge), ainsi que de Kesi Smyth (directrice générale et ressources humaines chez 604 Records). Toutes les candidatures ont été évaluées sur la base de la qualité musicale, du potentiel professionnel, ainsi que de l’impact que le fait de recevoir un prix aurait sur leur développement personnel en tant qu’artiste.<

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Par Jean-François Ducharme

Actualités UQAM

22 mars 2022

Les finissantes et finissants en musique présentent une quinzaine de spectacles du 25 mars au 27 avril.

Batterie, guitare, trompette, piano classique, basse, voix: les finissantes et finissants de la concentration pratique artistique du baccalauréat en musique dévoileront tous leurs talents dans le cadre du Festival CODA 2022, une série de 15 spectacles présentés dans la région de Montréal, du 25 mars au 29 avril. Regroupant les projets de fin d’études de l’ensemble de la cohorte, l’événement est organisé par le Département de musique depuis 2013.

Le mot CODA, qui signifie la fin de la pièce musicale et le signe de renvoi, avait été proposé comme nom du festival lors de sa première édition par l’étudiant en saxophone René de Montigny (B.A. musique, 2014). La professeure Dominique Primeau supervise les projets pour la cinquième fois cette année, elle qui a pris le relais de son collègue Stéphane Aubin. «Pour le département, ce festival est une source de fierté puisqu’il permet de voir l’ensemble des finissantes et finissants s’épanouir et s’approcher du milieu professionnel», souligne la professeure. 

Une étape importante

Les étudiantes et étudiants contactés par Actualités UQAM sont unanimes: le Festival CODA représente une étape importante dans leur cheminement artistique. «Le festival nous fait sentir comme faisant partie d’une grande équipe et valorise l'immense travail que chacun a mis dans son projet», mentionne le guitariste Étienne Fournier. Ce dernier sera à l’affiche de Faut que ça rock avec le batteur Thomas Régnier, le 25 mars, au Petit Campus. «C’est une étude de virtuosité, le spectacle le plus difficile que j'aie eu à jouer jusqu'à présent», raconte l’étudiant.

«Le festival est l'affirmation de ma personnalité d'interprète et constitue le début de ma carrière professionnelle», souligne pour sa part la pianiste classique Béatrice Beaudin-Caillé, qui présente Les femmes en musique, aussi novatrices que classiques!, le 9 avril, à la salle des Jeunesses musicales du Canada. Ce récital pour piano solo met en lumière l'héritage des compositrices en musique classique ainsi que la pertinence et l'originalité de compositions classiques récentes. «Le projet m'a poussée à trouver les réponses à des questions fondamentales sur mon rôle et mes buts d'interprète», confie l’étudiante.

Pour la chanteuse Amylie Pop Poirier et le bassiste Éric Clermont, qui forment le duo SükàKrème et qui avaient remporté la finale nationale de Cégep en spectacle en 2017, le spectacle La légende d’Yvanka, présenté le 13 avril au Cabaret Lion d’Or, se veut à la fois l'amorce de leur carrière professionnelle et le fruit de leur parcours universitaire et de leur construction identitaire. «Nous menons ce projet depuis plus d'un an, souligne Amylie Pop Poirier. L'idée de marier musique, théâtre et humour a stimulé notre créativité. Nous travaillons en collaboration avec des collègues de l'École supérieure de théâtre, soit Sarah Cliche aux costumes, Nicolas Jalbert à la direction technique, Maxime Côté au montage vidéo et Joannie Vignola à la mise en scène.» 

Découvrez la programmation et le calendrier détaillé

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